Los impresionistas no se limitaron a crear suaves carteles para dormitorios. Su visión era radical

Revolución en plenario. Durante el reinado de Napoleón III, el Segundo Imperio Francés colonizó ampliamente el extranjero y se modernizó en casa con la creación de los bulevares de París y el glorioso ascenso de la ciudad como capital mundial de la cultura y la moda. El Imperio trajo estabilidad a Francia después de décadas de derramamiento de sangre y agitación, pero las pasiones republicanas, especialmente entre la élite intelectual y clase media alta.

¿Qué pasó durante la rebelión? Este año se cumple el centenario de la primera exposición de los impresionistas en 1874, y para celebrarlo se han creado dos libros maravillosos. Aunque difieren en alcance, son adiciones hermosas, fluidas y resonantes a la historia del arte.

El crítico del Financial Times Jackie Wolschlager ha escrito una fastuosa biografía de Claude Monet, el maestro de un movimiento que confina la innovación debajo de la superficie. Monet: The Restless Face abarca la vida y la carrera del artista, un retrato de un artista voluble y materialista, ambicioso y orgulloso, pero leal a todos en su órbita. Se remonta a su origen de clase media cuando era niño y adolescente en la costa de Le Havre, diluyendo su eterna musa. Eligió una carrera mal remunerada con el apoyo de una querida tía y mejores amigos como Edouard Manet. En la década de 1860 se incorporó al círculo de Manet en París: Degas, Basile, Cézanne, Berthe Morisot, Pissarro y Renoir. Estos artistas, ahora estrellas de museos y colecciones privadas, se apoyaron mutuamente durante los meses de escasez, mientras los ricos se dedicaban a la riqueza, unidos en su desdén por las viejas normas y el gobierno del Salón. (Monet finalmente poseyó 14 de las pinturas de Cézanne).

Cuando comenzó la guerra franco-prusiana, Monet fue a Londres, donde se sentó en acción, paleta en mano. Después de regresar a Francia, él y sus colegas trabajaron al aire libre, a menudo colocando sus caballetes uno al lado del otro. Monet se basó en su primera esposa, Camille, como modelo principal; en su primera obra, “Mujeres del jardín” (1866), se la representa como cuatro personalidades distintas. Wolschlager señala que “El puerto de Argenteuil” (1874), “es un faro del primer momento impresionista. Juntos, cada parte de la otra, invitando a la mirada a entrar y permanecer en todas partes, en una colección decorativa de formas, los árabes de los árboles que se satisfacen con las formas de las nubes, crean un espacio armonioso que se inspira en la imagen sólida de un roto. puente es completamente diferente. hace unos meses.”

Después de la larga enfermedad y muerte de Camille en 1879, Monet se casó con Alice Hoschede, la esposa separada de un magnate de los grandes almacenes cuya muerte permitió a la pareja casarse y reunir a sus familias, el bohemio Brady Bunch. Su villa en Giverny siguió siendo una base de operaciones durante toda su vida.

Jackie Wullschlager, autora de Monet: una visión tranquila.

(William Cannell)

A lo largo del siglo, Monet se volvió más audaz: comenzó varias series de temas representados en diferentes horas del día, con diferentes colores de luz. Wohlschlager destaca “Haystacks” como un gran avance, insistiendo en “pensar en el paso de ese momento, el paso de todos los momentos”. Escribe: “Los trazos cortos entrecortados crean ondas de color en diferentes capas que muestran la luz como una fuerza pulsante, pero se mezclan en una niebla impura vista desde lejos”. En el contexto de la comodidad de la posguerra, surgieron nuevas formas de ver.

Wullschläger se abstiene de intentar una explicación completa; ¿Por qué sobrecargar su libro con detalles inútiles? Prefiere divertirse y deja lo mejor para el final: su estudio exhaustivo de los magníficos nenúfares de Monet (los llamó “Grandes Décorations”), las llamas de leña, la representación y la abstracción, presagiando futuros titanes como Pollock y de Kooning. “Las decoraciones Grandes tienen las características de un estilo posterior: extremo, abstracto, interior”, señala Wolschlager, “en un momento, el logro supremo del impresionismo, hermosas pinturas… composiciones integrales que hablan del caos y la desintegración”. A pesar de su mala vista, Monet trabajó hasta su muerte en 1926.

Sebastien Smee, autor de París en ruinas.

(Ámbar Davis Turlentes)

El ganador del Premio Washington Post, Sebastian Smee, parte del enfoque de Wohlschlager en París en ruinas, centrándose en aquellos años cruciales antes de la exposición inicial, cuando la guerra franco-prusiana derribó el Segundo Imperio y el nacimiento de la Tercera República Francesa. El corazón del libro es el romance entre Édouard Manet y Berthe Morisot, un soltero con talento que vive con sus padres en el bonito suburbio de Passy. Manet galvanizó a artistas y escritores inventivos (y subversivos), atrayendolos como un imán. “Era como el director de un grupo de teatro amateur, formado por amigos, familiares y cualquier persona con la que pudiera conectarse”, dijo Smee. “Usaron los disfraces asignados con distintos grados de convicción, dirigiéndose a la audiencia que supuestamente estaba en el juego”.

Eduard Manet “Cola delante de la carnicería”.

(Cortesía de Norton)

El amor de Manet por Morisot apareció por primera vez en su homenaje a Goya, El balcón (1868-69). “París en ruinas” está lleno de anécdotas deliciosas: tertulias de feria de los Morisot; deber militar impuesto a hombres legales; globos y palomas mensajeras que mantenían la ciudad conectada con el mundo. Con un acuerdo en el que Napoleón se rendiría y pondría fin a la guerra franco-alemana, estalló la guerra civil en Francia, enfrentando a izquierdistas contra moderados de acuerdo con el líder alemán. La creación de Smee de este momento turbulento y los disturbios que lo desencadenaron es un relato brillante y conmovedor, que culminó en la Semana Sangrienta de mayo de 1871, que resultó en miles de víctimas civiles, masacres aleatorias y el incendio de instituciones prominentes.

Cuando se encendió la Ciudad de la Luz, este grupo de artistas avanzó hacia paisajes tranquilos y escenas domésticas que promovían los valores burgueses. Sin embargo, fueron un disturbio. “La falta de jerarquía se extendió incluso a consideraciones técnicas: los impresionistas pintaban directamente sobre el lienzo, en lugar de aplicar capas de barniz sobre vidrio o pintura”, señala Smee. “Inspirándose en los grabados japoneses, buscaron evitar composiciones que parecieran demasiado calculadas, pintorescas o discretamente simétricas. Acogieron con agrado los fenómenos visuales recurrentes, como los árboles que cubren los edificios… Ni sombras, ni modelados y, por lo tanto, carentes de profundidad. A veces “Parecía como si viera estas escenas… desde un globo o desde una persona con un solo ojo”. “atribuido a la Sra. La autora afirma que su influencia fue mayor de lo que la historia del arte ha reconocido.

Así como los impresionistas liberaron a la pintura de los estilos extrañamente académicos del Salón, Smee y Wolschlager liberaron al impresionismo de los clichés de los carteles de dormitorio y los sentimientos de felicitación. Estos artistas fueron y son radicales: Picasso rechazó sus ideas, pero es imposible imaginarlo sin ellas, vinculados a través de Cézanne, Van Gogh y los fauves. Ambos autores encuentran la luz en el corazón del movimiento y la amplifican brillantemente en la página.

Hamilton Cain es crítico de libros y autor de las memorias This Boy’s Faith: Memoirs of a Southern Baptist Upbringing. Vive en Nueva York.