Los informes sobre la desaparición del espectáculo en vivo en Broadway han sido muy exagerados, al menos ante la evidencia de una temporada teatral de otoño repleta de dramas de alto perfil.
La apasionante actuación de Sam Mendes de “California Balls” de Jez Butterworth en el Broadhurst Theatre, la mejor actuación que he visto en una obra de finales de septiembre, se ha convertido en una entrada obligada para los espectadores experimentados del teatro neoyorquino. McNeil de Ayad Akhtar, protagonizada por Robert Downey Jr. en su debut en Broadway en el Teatro Lincoln St. Vivian Beaumont, no estuvo a la altura de las expectativas. Pero, ¿quién podría dejar pasar la oportunidad de escuchar a uno de nuestros dramaturgos más poderosos sobre un tema que ya está desafiando nuestro sentido de la realidad: la IA?
Había planeado ver una película de Jen Silverman protagonizada por la pareja más popular de Broadway, Patti LuPone y Mia Farrow, pero una enfermedad en el elenco arruinó mis planes. Sin embargo, pude ver Yellowface de David Henry Hwang (protagonizada por Daniel Dae Kim) en Todd Hayes de Roundabout Theatre Company en una gira de cuatro días, The Job de Max Wolff Friedlich en Hayes Theatre y coleccionar en su teatro. un espectáculo fuera de Broadway, “Good Bones” de James James en el Public Theatre. (También vi la deliciosa reposición de Broadway de Once Upon a Mattress, sobre la cual tendré más que decir cuando la producción de Sutton Foster se estrene en el Ahmanson Theatre en diciembre).
Daniel Dae Kim en Cara Amarilla.
(Juana Marcos)
Fue un placer volver a encontrarnos con Yellowface, que hizo su estreno mundial en el Mark Taper Forum en 2007. Leigh Silverman, quien dirigió la producción, regresa para dirigir el estreno en Broadway, que se extenderá hasta el 24 de noviembre. Esta inteligente comedia, una pieza consciente de sí mismo en la que Hwang regresa a la controversia teatral que enfrentó después de hablar en contra de la elección de Jonathan Pryce como un personaje euroasiático en el estreno de Miss Saigon en Broadway en 1991. El alboroto que siguió fue más de lo que esperaba el dramaturgo de Tony. Pero decidió abordar algunas de las cuestiones sobre la identidad racial que surgieron a raíz del casting de su obra “Face Value”, un fracaso espectacular que cerró en Broadway en 1993.
En Yellow Face, Hwang reúne estos eventos relacionados en una comedia que introduce un recurso ficticio en lo que de otro modo sería una simple narración. DHH, un dramaturgo sustituto, ahora interpreta a Kim, una estrella magnética de la pantalla (“Perdidos”, “Hawaii-0”) con un atractivo sexual de Hollywood. Cualquier escritor masculino estaría feliz de interpretar a Kim, pero el casting del programa recuerda claramente una época en la que los productores se daban por vencidos cuando se les pedía que encontraran un protagonista asiático-estadounidense para presentar una película o un espectáculo de Broadway.
La producción de Silverman, en otros aspectos, no parece tan cómoda como habría sido explotada en el gran escenario de Broadway. Algunas de las actuaciones cómicas parecen caricaturas, pero la escritura es tan inteligente, fluida y relajada que no importa. Y las escenas entre DHH Kim y Ryan Eggold Marcus, un personaje completamente inventado en la obra, se deleitan con la hilarante hipocresía que Hwang expresa sin pedir disculpas.
La presunción de la obra es que DHH accidentalmente eligió a un cantante no asiático como protagonista de Face Value, y Marcus, agradecido por este salto en su carrera como actor, asume el papel de un truco publicitario que solo empeora la situación. es mucho más peligroso. DHH tiene miedo de afrontar su papel en convertir a Marcus en una estrella asiático-americana. Cuando descubrió la verdad sobre su identidad, se le ocurrió la brillante idea de afirmar que el actor era de ascendencia judía siberiana. Como orador casual de un casting con conciencia política, será mejor que no se drogue demasiado con su propio petardo.
La ironía de Hwang es parte de la maravilla cómica de Yellowface. Pero lo particularmente refrescante de la obra es que trata cuestiones más profundas de la política de identidad con un toque ligero. El dramaturgo Hwang es demasiado inteligente para ser un doctrinario. Se da cuenta de lo que hay que arreglar, pero no pierde el sentido del humor en la lucha ni se libera de las travesuras humanas que pueden ser el único empleador fiable de la igualdad de oportunidades.
Peter Friedman y Sydney Lemmon en “Job” en el Teatro Helen Hayes de Broadway.
(Emilio Madrid)
Job, que se presentó fuera de Broadway en el Soho Playhouse el otoño pasado, se muda al Teatro Helen Hayes en Broadway este verano y puede ser el estreno de la temporada. Un trabajo de dos personajes, la obra (que cerrará el 27 de octubre) está protagonizada por el veterano Peter Friedman y el recién llegado a Broadway Sidney Lemmon, un graduado de la Escuela de Drama de Yale que resulta ser la nieta de Jack Lemmon.
¿Por qué la obra de Friedlich se volvió tan popular entre los espectadores de Nueva York? La situación de una joven que se presenta en la consulta de un psicoterapeuta con una pistola crea una situación dramática independiente que el público parece disfrutar. Lemmon Jane, un moderador de contenido en una empresa de tecnología que se derrumbó después de haber sido expuesto a los videos más aterradores en la oficina y ahora necesita que un psiquiatra lo registre para regresar al trabajo. Friedman asume el papel de Lloyd, un adolescente de San Francisco que debe impedir que Jane apriete el gatillo en menos de dos sesiones.
A pesar de la escrupulosa honestidad de la película del director Michael Hurwitz, las contradicciones de la situación son inevitables. (Como terapeuta hippie anciano educado en Berkeley, Friedman es especialmente bueno en difundir la empatía profesional para salvar su propia vida). La obra contiene un giro que ni los caballos salvajes podrían arrancarme, pero cuánto creas depende de tu voluntad de rendirte a una trama que está cuidadosamente programada para aumentar la tensión. Seguí siendo escéptico, pero aprecié la absorción de mis compañeros de audiencia, quienes estaban más que felices de suspender su incredulidad y emprender un emocionante viaje de 80 minutos.
Chris Davis, izquierda, Susan Kelechi Watson y Choi Guarino en el estreno en Nueva York de Good Bones, escrita por James James y dirigida por Saheem Ali.
(Juana Marcos)
La última obra de mi gira fue “Good Bones” de Ijams, un dramaturgo que me gustaría conocer después de “Fat Ham”, el riff de Hamlet ganador del premio Pulitzer. “Kill Move Paradise”, una obra anterior de Ijams que aún se presenta en el Odyssey Theatre, crea un ritual urgente para que la justicia racial enfrente la epidemia de tiroteos policiales fatales contra personas negras desarmadas. Good Bones es un programa mucho más convencional sobre el matrimonio Travis (Mamudou Ati) y Ayesha (Susan Kelechi Watson) que renuevan una casa en la ciudad donde creció Ayesha.
Aisha, que creció en la pobreza, tiene una relación de amor y odio con su ciudad natal. Trabaja para una empresa que construye un complejo deportivo, derribando los mismos proyectos que solía llamar hogar. Su marido, un chef de origen más acomodado, abre un restaurante de comida soul de calidad en el centro. Ambos encarnan el espíritu de gentrificación, pero tienen muchas diferencias entre ellos, ya que tratan con Earl (Chris Davis), un escrupuloso contratista que aún vive en los proyectos que Aisha quiere desmantelar.
Ijams crea un drama controvertido en el que los personajes ponen en conflicto sus historias de vida únicas. Carmen (Thea Guarino), hermana de Earl, estudiante de finanzas en la Universidad de Pensilvania, representa la perspectiva de una generación diferente cuando se une a su hermano para hacer un trabajo de renovación.
La producción, dirigida por Sahim Ali, colaborador habitual de Ijames, se presentará en el espacioso y moderno comedor que Earl está renovando minuciosamente para restaurar esta ciudad histórica a su antigua gloria. La escenografía (Maruti Evans) y el vestuario (Oana Botez) maximizan el atractivo televisivo de la producción. Quizás es por eso que “Good Bones” a veces se convierte en piloto de televisión. La obra tiene preocupaciones sociales inmediatas que se sentirían en casa en un teatro como el Public, donde se exhibirá hasta el 27 de octubre, pero decisiones breves y algunos adornos evitan que los conflictos se vuelvan incómodamente reales.
“Fat Ham”, “Kill Heaven” y “Good Bones” están escritas en estilos tan diferentes que podrían ser obra de tres autores distintos. Excepto que cada obra toca urgentemente la sangre vital de la sociedad. Para Ijams, no se trata sólo de quién está en el escenario, sino también de quién está entre el público. Ampliar el público del teatro no es una ocurrencia tardía, sino que para el dramaturgo que reconoce este drama en su crecimiento, es un punto de encuentro de la sociedad.
Mi teatro de Nueva York me aportó este dinamismo y confirmó que la teoría de la física es correcta para el teatro. A medida que el público entra en el mundo ficticio, su presencia cambia lo que observa. La evidencia de este concepto está por todas partes en la temporada de otoño de Nueva York, lo que refuerza las conexiones más profundas entre los dramaturgos y su atento público.
