¿Es historia del arte? Dos museos de Los Ángeles ofrecen respuestas, pero sólo uno es correcto

¿Es historia del arte?

Eso preguntó la historiadora del arte de UC Berkeley, Svetlana Alpers, en un magistral ensayo de 1977, una pregunta planteada al comienzo de una carrera excepcional de 60 años. Alpers, que ahora tiene 88 años, se ha convertido en el principal historiador del arte del Siglo de Oro holandés. Sin embargo, centró su ensayo en los cambios que sentía que se estaban produciendo en la disciplina de la historia del arte.

Analizar el poder visual de los objetos materiales (pinturas, esculturas, textiles, manuscritos, cerámicas, etc.) en el contexto de su creación siempre ha sido la actividad principal de los historiadores del arte. “Ver” es lo que ha hecho el crítico de arte. Sin embargo, ahora hay indicios de que ver es una tarea más compleja de lo que se pensaba inicialmente, y se centra en analizar el contexto mismo.

El estudio de las creencias e ideas del tiempo y lugar del pasado ha dejado de lado el objeto, al que ahora se le da igual peso a la economía, la literatura, la religión, los avances científicos, la política y otras formas de vida social. El arte era sólo un elemento de una búsqueda más amplia. La historia de la cultura redujo la historia del arte.

Recientemente vi tres grandes exposiciones y pensé en el significativo ensayo de Alpers. Los tres espectáculos son parte de “PST Art: Art & Science Collide”, un gran espectáculo en más de 70 espacios artísticos independientes del sur de California, todos financiados por la Fundación Getty. Si bien estas tres exhibiciones contienen muchos objetos maravillosos, sólo uno es satisfactorio; los otros dos me dieron escalofríos. Los espectáculos interesantes superan esto y utilizan el arte para explicar la historia cultural, y no al revés.

Un espectáculo interesante es el Museo Getty. “Lumen: el arte y la ciencia de la luz”. La atención se centra en la luz como vínculo entre la nueva ciencia y la antigua religión (cristianismo, judaísmo e islam), que aparece en alrededor de 100 objetos de arte medieval en Europa occidental. El período considerado es del 800 al 1600, la Edad Media, que incluye aproximadamente la muerte del emperador Carlomagno y el final del Renacimiento.

Como dice un letrero en la pared, fue cuando una comprensión centrada en la Tierra de nuestro lugar en el orden celestial fue reemplazada por una comprensión centrada en el Sol. En el poder de la luz No hay nada más intenso que eso.

La muestra comienza con una amplia selección de lujosos astrolabios, instrumentos técnicos de placas metálicas grabadas y decorativas y esferas para cronometraje, astronomía y navegación. Ya sea guiando un barco para comerciar o buscando la dirección de La Meca para orar, el astrolabio usaba la luz para guiar los deseos en torno a la ciencia y el mito.

¿Qué importancia tuvieron los astrolabios para la transformación del pensamiento europeo? Una notable pintura flamenca de 8 metros muestra el “Tapiz de los astrolabios”, que ha estado colgado durante siglos en una catedral de Toledo, España.

Muestra a un ángel con una túnica diáfana, organizando espacialmente una enorme máquina que contiene una serie de cortesanos, símbolos astrológicos, representantes de los tronos de la filosofía, la aritmética y la geometría, el poeta Virgilio y el astrónomo Hiparco, en medio de una lluvia de estrellas y campos de flores. . En la parte superior izquierda, una imagen de barba gris del Dios sabio y eterno guía la acción, volando dentro de un brillante sol dorado.

La exposición, comisariada por la curadora del Getty Kristen Collins y la conservadora de papel Nancy K. Organizado por Glenn Phillips del Instituto Getty, Turner se presenta en tres secciones temáticas. Tapices y astrolabios con varios manuscritos de gran tamaño en “La Luz Astral” se construyen en torno al estudio de la astronomía. Light and Vision explora más a fondo la luz como conocimiento. Finalmente, “Aura and Performance” evoca la divinidad como sentido, especialmente la visión.

Hay muchos préstamos maravillosos, entre ellos la llamada Cruz Spitzer del Museo de Arte de Cleveland, la famosa y hermosa cripta de Limoges del siglo XII. El diseño del Cristo Crucificado de dos pies de altura sobre un cráneo humano está tallado en arcilla de cobre, relleno de vidrio en polvo mezclado con óxidos metálicos y cocido para producir una inusual variedad de colores, tanto sutiles como brillantes. El esmalte y el cobre absorben y reflejan la luz de diferentes maneras, dando vida al objeto pulido.

Algunas obras conocidas están sorprendentemente influenciadas por el contexto. La naturaleza de la óptica, o cómo el ojo ve como un canal de luz, está en el centro de un retablo de Giotto del Museo de Arte de San Diego. Seis ángeles voladores se protegen los ojos con las manos o se protegen los ojos con discos de colores transparentes: como si fueran unas gafas de sol del siglo XIV. La hueste celestial queda deslumbrada por la cegadora luz dorada que emana de Dios.

Después de tallas de cristal de roca, pinturas doradas, hermosas lámparas de mezquita de vidrio, túnicas sacerdotales tejidas con hilos de plata y oro, una enorme lámpara de araña bizantina y más, el frente del gran altar tallado y tallado casi se roba el espectáculo. El “Retablo de Stavelot” del siglo XII, cedido por el Museo Cluny de París, muestra el Pentecostés cristiano, cuando el Espíritu Santo descendió sobre los 12 apóstoles, gracias a rayos de luz provenientes de lo alto.

“Stavelot Retablo”, en 1160-70; cobre dorado, esmalte champlevé y técnica mixta.

(© RMN-Grand Palais / Art Resource, Nueva York)

El frente del altar en alto relieve, con figuras de cobre dorado y halos esmaltados, de 7 pies de ancho y alrededor de 3 pies de alto, expresa fuertemente a los apóstoles. Adoptan diferentes estados de reacción ante el acontecimiento: shock, reflexión e incredulidad entre ellos. Al enfatizar la vida espiritual de la escena, el museo proporcionó una luz maravillosa para la obra.

Poco a poco va cambiando. A veces, la luz se mueve lentamente de un lado al otro del altar, recordando la luz del sol que entra por las ventanas durante todo el día. Luego las luces parpadean, la luz de las velas se despierta por la noche. En otras ocasiones, la luz es estable, como en una exposición normal de un museo, lo que permite observar más de cerca el objeto dorado de luz.

La presentación es eficaz para resaltar la importancia de la luz como metáfora religiosa en la pintura dorada, así como el material real de la iglesia donde se coloca el altar. Los artistas medievales crearon diseños escultóricos que produjeron animaciones preindustriales cuyo objetivo era dar vida a una imagen estática.

Una deficiencia de la muestra es su intrusión ocasional en el arte contemporáneo entre las obras históricas. Aquí y allá aparecen pinturas, esculturas e instalaciones innecesarias de Vija Selmins, EV Day, Anish Kapoor y otros cinco. (Se pueden encontrar instalaciones independientes relacionadas de Charles Ross y Helen Pashgian en otras partes del museo, donde cinco (Se instalarán exhibiciones de arte PST adicionales de diversos intereses). La práctica de incluir arte nuevo en exhibiciones históricas, más común en un museo de arte, significa hacer que temas aparentemente ficticios sean relevantes y oportunos, y sugerir que los artistas vivos aún atraen estos temas.

Bueno, tal vez. ¿Pero y qué?

Ali ibn Muhammad al-Barmaki, “La lámpara de la mezquita de Amir Kawsun”, 1329-35; Vidrio con oro y esmalte.

(Museo Metropolitano de Arte)

Celmins es tan hermoso Imagen de 1992 las estrellas titilantes en el oscuro cielo nocturno, o los alambres de pan de oro de 2018 y el monofilamento extendido diagonalmente entre el techo y el suelo, ¿debería lograr el largo arte medieval de la iluminación que “Lumen” logra? La respuesta, por supuesto, es nada. Los artefactos modernos lo alejan de la emocionante sensación de descubrimiento histórico que ofrecen las mejores exhibiciones del museo.

Es algo pequeño, pero fácilmente pasado por alto. No se puede decir lo mismo de dos exposiciones decepcionantes, ambas en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.

“El mapa infinito: cosmología entre culturas”, Organizado por siete curadores del LACMA, presenta pinturas y esculturas de diferentes sociedades y épocas del mundo que reflexionan sobre el origen y desarrollo del universo. “Vivimos en la pintura: la naturaleza del color en el arte mesoamericano” Organizado por tres curadores, intenta hacer algo relacionado, explorar el significado cosmológico del color.

“Esfera tallada”, Guatemala o México, maya, 200–450; caliza

(Visitantes del Museo/LACMA)

En resumen, la historia cultural no se utiliza para iluminar obras de arte, como lo es “Lumen” para los objetos medievales. Más bien es al revés: se pide a las obras de arte que expliquen la historia cultural de la cosmología. El arte se reduce a una imagen.

Por ejemplo, en la antigua Mesoamérica, el color blanco representaba la chispa del proceso creativo, mientras que el negro era el color de la muerte. Esa extraña figura olmeca de cerámica blanca, sentada con las piernas cruzadas y la cabeza sonriente apoyada en una mano, es formalmente atractiva; pero con el propósito de revelar la cosmología no es diferente de la esfera blanca tallada de los mayas que fue exhibida recientemente. La agradable zona es menos atractiva visualmente, pero esto es extrañamente irrelevante para el museo de arte.

Las vitrinas con brutales objetos blancos o negros no tienen sentido, porque cualquiera que sea el punto visual específico del objeto de arte es ajeno. Seis de uno, media docena más o menos.

De manera similar, el Mapa Infinito tiene figuras romanas de bronce de Venus, Mercurio y Marte alineadas en un estante, pero cada una de ellas podría ser reemplazada por cualquier otra figura romana de bronce de Venus, Mercurio o Marte, ya que el propósito es sólo servir. como ejemplo cultural de las creencias es estar cosmológicamente. Cerca de allí, una impresionante talla en roca volcánica de Indonesia del siglo IX de Brahma, la deidad de muchas cabezas, representa la infinita complejidad de la creación, al igual que cualquier otra estatua hindú de Brahma a la vista.

Al mirarla, uno se pregunta: ¿Es esta escultura diferente porque los volcanes de Java central son sitios espirituales, por lo que el material fundido de la tierra influye en el significado pretendido del arte? No lo sabemos. Esta pregunta no es interesante aquí. Este objeto de arte específico es una preocupación secundaria: es frustrante para un museo de arte.

Los extraños objetos de arte quedan relegados al estatus de imágenes. Ambas exposiciones son una gran colección de cosas aportadas a la historia de la cultura, tema que se aborda mejor a través de textos. Para eso sirven las imágenes para escribir.

“Brahma, Dios de la Creación”, Indonesia, Java Central, siglo IX; roca volcánica.

(Visitantes del Museo/LACMA)

Y sí, ambos programas incorporan algunas obras modernas en sus espectáculos históricos, degradándolos también. Los artistas sobrevivirán y ¿quién puede culparlos por correr un riesgo? Pero esto es en vano.

Estas dos exposiciones de tamaño mediano estarán en exhibición en el Pabellón Resnick de LACMA: una durante la primavera y la otra durante aproximadamente un año. En el exterior se está construyendo un nuevo y costoso edificio para la colección permanente del museo, que está diseñado para albergar un plan equivocado de exposiciones temáticas. Me temo que estos son algunos de los ejemplos que podemos esperar cuando la Galería David Geffen abra sus puertas en 2026.

En museos de arte como LACMA, la historia cultural ahora rutinariamente inunda la historia del arte. Svetlana Alpers era inteligente.

El libro recién publicado de Alpers (el octavo) de ensayos sobre las últimas seis décadas por Prensa de punto de cazadorestrae “¿Historia del arte?” adelante como el título, que parece indicar bastante. Hay un trabajo posterior a 1991 sobre exhibiciones en museos de arte que presenta con una afirmación clara: “Un museo es una manera de ver, no una manera de aprender sobre la cultura”.

Echa un vistazo a la emocionante “Lumen” y descubre lo que quiere decir.