El arte de la era espacial resuena con el espíritu de exploración en un museo de Palm Springs

En Los Ángeles, la generación del baby boom que surgió después de la Segunda Guerra Mundial coincidió con el desarrollo de la industria aeroespacial militar. En el Museo de Arte de Palm Springs, “Partículas y ondas: abstracción y ciencia en el sur de California, 1945-1990” analiza detenidamente el impacto general del auge tecnológico de la posguerra en los artistas y escultores de la región. La exposición incluye 66 obras de 34 artistas.

La exposición forma parte del Getty Festival.PST Arte: La intersección del arte y la ciencia“. Su título partícula/onda se refiere a la dualidad, a menudo misteriosa, de la realidad subatómica que ha impulsado importantes descubrimientos científicos durante tres siglos, desde Isaac Newton hasta Albert Einstein. El tema de la tecnología avanzada y su influencia en la abstracción no es nuevo en el arte del sur de California. Pero la experiencia perceptiva ha sido una era pasada en la historia del arte contemporáneo de la región, por lo que es bueno ver una exhibición del festival centrada en el sur de California. Hay varios más.

Para el arte, el conocimiento se materializa en la experiencia; por ejemplo, en el reconocimiento de los patrones rítmicos y la sensación de espacio en las tonalidades de azul, violeta, verde y tonos neutros en el hermoso óleo de Oscar Fischer de 1948, Muchas olas. las formas de los pulsos sugieren fenómenos naturales (pétalos de flores en flor y olas del océano rompiendo), pero ninguno de ellos está descrito de manera realista. Artista alemán-estadounidense que trabajó en los estudios Paramount después de escapar de Adolf Hitler en 1936, creando música visual.

Fischinger, aunque no es un desconocido, destaca en la exposición, con la complejidad geométrica de sus pinturas y películas manteniendo un alto nivel de sofisticación. (Las películas brutalmente abstractas de Fischinger, así como las de Charles y Ray Eames, Charles Docum y los hermanos John y James Whitney, se exhiben permanentemente en la sala de conferencias del tercer piso del museo). También lo está Helen Lundeberg, cuyas geometrías arquitectónicas son familiar en pinturas de paisajes. Da un giro inesperado en tres pinturas de los años 60 inspiradas en música extraterrestre.

“Entre los planetas” es un plano de color gris pizarra, cortado por grandes arcos de color marrón grisáceo arriba y abajo. El pequeño punto en la esquina inferior derecha transforma visualmente la austera composición en un ensayo sobre la dinámica de la percepción del espacio profundo, como si nosotros, como ese pequeño punto, flotáramos sin conexión. Lundeberg crea espacios visuales a través del color, la forma, la escala y la composición. Como surrealista en la década de 1930, comenzó a explorar los misterios de la memoria humana, pero estas excepcionales pinturas abstractas dejan la imaginación completamente libre.

La nueva confianza de la cultura estadounidense en las artes, que aún no había generado mucho interés en el siglo XX, pronto convergió con las sensibilidades arraigadas que se habían establecido por primera vez en un evento tecnológicamente emocionante en el sur de California. En 1910, un cuarto de millón de personas pasaron 10 días en la cima Encuentro Internacional de Aviación en Los Ángeles — la primera demostración aérea de valentía en el país. Mientras que los medios de Carson City ensalzaban las promesas y los peligros de pasar a la clandestinidad. El espectáculo se produjo casi seis años después de que los hermanos Wright realizaran el primer vuelo más pesado que el aire en Kitty Hawk, Carolina del Norte. (En ningún caso, se construyeron 53 pistas de aterrizaje dentro de un radio de 30 millas del Ayuntamiento de Los Ángeles). California Aerospace inmediatamente se convirtió en una realidad.

La industria floreció durante el siguiente medio siglo. Cuando en 1957 comenzó la “carrera espacial” entre Estados Unidos y la Unión Soviética, la Guerra Fría incrementó el desarrollo comercial de la región.

La exposición incluye un enfoque general en artistas conocidos (Larry Bell, Fred Eversley, Claire Falkenstein, Robert Irwin y más) además de algunos que no lo son. Algunos son completamente nuevos para mí.

Galaxy de Eva Slater de 1954 coloca una cuadrícula sincopada de formas pintadas dentro de un panel de madera, combinando movimiento óptico con estasis material. (El mismo patrón triangular aparece en una escultura caleidoscópica reciente en la exposición actual del artista islandés-danés Ólafur Eliasson. Museo de Arte Moderno de Los Ángeles.) Robert Bassler, con formas altas, curvilíneas y cromáticamente suntuosas que atrapan la luz para conectarse visualmente, como la versión espacial de El beso de Constantin Brancusi.

La pintura de seis paneles de Bettina Brendel de 1969, “¿Partículas u ondas?” dio su título a la exposición del Museo de Palm Springs.

(Lanza Gerber)

Bettina Brendel, cuyo cuadro de 1969 “¿Partículas u ondas?” dio título a la muestra, intentos con éxito desigual de evocar las sorprendentes contradicciones del dualismo fundamental, una sucesión de marcas cruzadas, líneas irregulares y curvas hinchadas. Formas nubladas en el espacio oscuro en la caja de luz cinética de Frank J. Malina, “Primavera II” (1959) carrozas, visualización de patrones de pensamiento mental en grandes pinturas surrealistas. Roberto Matta.

Ninguna de estas obras llega tan lejos como para sugerir un gran artista olvidado. Pero una exposición colectiva como ésta se beneficia de una amplitud que supera a la calidad. La gama muestra cuán extendido estaba un poderoso elemento del espíritu de la época, al mismo tiempo que enfatiza, en comparación, cuán importante fue el éxito de artistas importantes como Irwin y Bell. La comprensión del arte es más amplia de lo que pensábamos.

Un ejemplo: la llamativa “pintura de puntos” de Irwin, un punto culminante de la exposición.

Este es uno de los grupos que se exhibió en Sudamérica en la Bienal de Sao Paulo de 1965, que coincidió con el inicio de la reaccionaria dictadura militar en Brasil. Dos pinturas de Irvine Point fueron atacadas físicamente y destruidas. Imaginemos una reacción tan escandalosa hoy en día ante un lienzo cuadrado ligeramente doblado que contiene miles de diminutos puntos verdes y rojos. Imposible.

Cuando se ven desde varios metros de distancia, los puntos se fusionan en un halo amorfo de color. La superficie de la imagen aparece marrón y se funde desde un plano estático hasta convertirse en una nube óptica. El enfoque artístico se desplaza significativamente del papel tradicional del objeto en la transmisión de un significado específico hacia la comprensión individual del espectador. El cambio radical en la capacidad cognitiva informa las fuerzas en conflicto en el espíritu cultural de la época. Para un Brasil decididamente conformista, la sensación de libertad ilimitada de Irwin puede ayudar a iluminar lo que enfureció a estos observadores pesimistas.

Sorprenden algunas de las omisiones de la exposición, especialmente los llamados “termómetros eróticos”, realizados en relieves de plástico de color industrial, que Craig Kaufman que fue construido en la década de 1960, así como un ambiente luminoso por David Wheeler. (James Turrell “Sur”, se ve una ilusión óptica cúbica creada por la luz proyectada, pero la instalación de Wheeler ciertamente ocupa más espacio del que el museo de Palm Springs puede proporcionar para compensar). Otras sorpresas son interesantes;

Una pintura de 20 pies de Claire Folkenstein, vista desde la puerta principal en 1963, saluda a los visitantes de la exhibición Partículas y ondas.

(Lanza Gerber)

“La órbita de la Tierra (punto de movimiento)” de Folkenstein, un mural de casi 20 pies en nueve paneles, data de 1963. Quizás no sea casualidad que este sea el mismo año ruso. astronauta Valentina Tereshkova se convirtió en la primera mujer en ir al espacio.

El lienzo vivo, que apenas es una representación del evento, utiliza colores plateados metálicos y marrón dorado aplicados en amplias áreas de comas paisley, que se convierten en el brillo de una superficie espacial indeterminada. El antiguo motivo de cachemira persa ha sido durante mucho tiempo un símbolo de fuerza y ​​fertilidad, y el círculo que llena un panel representa la paz interior y también funciona como símbolo planetario. Las líneas de seguimiento atraviesan una amplia zona, que recuerda a los rayos cósmicos que atraviesan una cámara de niebla. El mural de Folkenstein demuestra ampliamente las habilidades pictóricas de un artista más conocido como escultor (también se encuentran a la vista un fino relieve de pared y cuatro esculturas menos impresionantes).

La curadora de PSAM Sharrisa Iqbal y el curador invitado Michael Duncan son hábiles organizadores y su catálogo está lleno de documentos, incluida una de las excéntricas “Ecuaciones de Shakespeare” de Man Ray. Este grupo de pinturas fue creado durante su estancia en Hollywood, pero se derivan de fotografías de los complejos modelos matemáticos del físico Henri Poincaré que el artista tomó en París. Se dice que los riachuelos de pintura que brotan de las esquinas de una forma de robot inquietante y anodino que toca la trompeta representan las lágrimas del Rey Lear, que intenta desesperadamente humanizar la realidad fría, aunque científica, de la fuente de Man Ray.

Man Ray, “La ecuación de Shakespeare: El rey Lear”, 1948, óleo sobre lienzo.

(Christopher Knight/Los Ángeles Times)

En la galería cuelga una pintura que explora el uso de las matemáticas por parte de los artistas, una de las cinco secciones informativas de la exposición. Otros examinan el color en movimiento, la abstracción de la era espacial, la óptica y el cine experimental. Algunos artistas actúan en diferentes secciones.

Todo esto se reduce a que la explicación científica es tangencial. Man Ray estaba interesado tanto en Shakespeare, la poesía y el teatro como en Poincaré, la física y la filosofía de la ciencia. La muestra se centra en cómo los artistas crean arte, en lugar de pretender que el arte y la ciencia van por caminos paralelos. Como beneficio adicional, proporciona valiosos antecedentes históricos para Olafur Eliasson: OPEN, la instalación brillante, expansiva y reveladora creada para Geffen Contemporary en MOCA.