David Cronenberg es más que un maestro del horror corporal, dice el autor

David Cronenberg ha emocionado al público durante más de 50 años. Pero como afirma la autora Violet Luca en David Cronenberg: The Clinical Trials, el cineasta canadiense ampliamente reconocido como un maestro del terror es también un oscuro autor con algo más en mente que golpes viscerales al sistema. De sus primeras películas de terror de bajo presupuesto, The Witches y Rabid, pasó a la ciencia ficción oscura y retorcida de Vidodrome y Scanners, y a las increíblemente tiernas y brutales tragedias de Dead Ringers y The Crash. El director utilizó su vocabulario visual hiperbólico como herramienta para explorar matices sociales y psicológicos.

Con su obra maestra, Luca nos ha brindado el análisis crítico más riguroso del trabajo del director hasta la fecha, reformulando la carrera de Cronenberg como algo más que un maestro del “horror corporal”, un término que considera reduccionista y desdeñoso. Más que un buscador de emociones fuertes, Luca encuentra en la obra de Cronenberg la mente de un crítico moral y social con gusto por la sangre, y escribe que sus películas pueden abordarse a través de varios puntos de entrada importantes: como advertencias sobre la demagogia en la era de la ciencia. , progreso o desintegración convirtiéndose en él mismo cuando se enfrenta a un mundo que ha sido expulsado del dinero y del deseo.

Lucca, ex editor digital de Harper’s que ha escrito para el New York Times y Sight and Sound, se sintió atraído por el trabajo del director cuando era estudiante en la Universidad de Iowa “porque su trabajo trataba sobre apertura, incertidumbre y angustia”. que en aquel momento estudiaba el cine artístico europeo medieval.

En su introducción, se refiere a la “maravilla y el horror” de los que hablan los personajes de sus películas. “Muchas de las películas de Cronenberg me ponen muy triste”, dice. “Hay una gran soledad que realmente me afecta”.

Una película que Luca cita como ejemplo de esta extraña melancolía: la adaptación de Cronenberg de 1996 de la novela de J.G. “Fuego”, de Ballard, en la que un productor de cine víctima de un terrible accidente se encuentra con un grupo de fetichistas enfurecidos por un accidente automovilístico. . Es el enfoque comprensivo, casi afectuoso, de Cronenberg hacia el material lo que humaniza la película; su enfoque tonal es más liberador que explotador.

“El sexo y la violencia son inseparables desde el comienzo de su carrera, ya sea que estés mirando ‘Stereo’, un pseudodocumental en blanco y negro de 65 minutos que hizo en 1969, o ‘Fire'”, dice Lucca. “Sí, su uso del sexo y la violencia es provocativo. Pero también son un medio para ser honestos acerca de quiénes somos: carne sangrante, carne deseosa. Siento que su uso del sexo fue más revolucionario porque se considera un tabú mayor en términos de la MPAA. “

En la primera mitad del libro, Lucca ubica algunas de las películas de Cronenberg en un mapa subconsciente de “Dead Ringers” de 1988, una historia de codependencia fatal entre gemelos que ejemplifica la teoría de Carl Jung. El “anima” y el “animus” de los gemelos quieren reconciliar sus lados masculino y femenino, y “Mashsha” de 1986 se convierte en una especulación sobre si la enfermedad puede cambiar la personalidad. Luca no necesita que estés de acuerdo con él: sólo quiere que lo escuches.

“Estas películas son tan ricas en subtexto que puedes abordarlas de muchas maneras diferentes”, dice Lucca. “Quería superar la extraña película ‘Naked Lunch’ y descubrir qué más estaban tratando de decirnos”.

Para Lucca, el trastorno anatómico característico de Cronenberg (todas esas partes del cuerpo, intestinos y tripas demacrados y mutantes que se derraman de sus personajes como juguetes blandos) es la forma en que el director manifiesta la ansiedad del personaje: el cuerpo incorpóreo como metáfora del desequilibrio espiritual. “Cronenberg toma estas preocupaciones que todos tenemos y las pone a través de este arco fantástico para que nos veamos a nosotros mismos de una manera nueva”, dice Lucca.

Los críticos tienden a trazar una línea dura entre las películas de bajo presupuesto de Cronenberg y sus reflexiones psicológicas, comenzando con Una historia de violencia de 2005. Lucca rechaza esta categorización y encuentra la misma preocupación por el problema mente-cuerpo y el enigma de la identidad a lo largo de la carrera de Cronenberg. Por ejemplo, “Existenz” de 1999 es una película profética sobre nuestra rápida unidad tecnológica, en la que hay un videojuego que conecta directamente con la columna vertebral. También está el arquetipo clásico de Cronenberg: el gurú de la tecnología que vende con fuerza el progreso científico como la salvación de la humanidad, pero que en realidad está consumido por su codicioso mesianismo. En este sentido, las películas de Cronenberg son sombrías alegorías sobre nuestra tecnología actual y los especuladores publicitarios como Sam Altman y Elon Musk.

A partir de sus proyectos cinematográficos a principios de la década de 1970, David Cronenberg comenzó a trabajar con proyectos que incorporaban fuertes críticas sociales a las narrativas de terror. Su visión radical provino de una incipiente industria cinematográfica canadiense que a principios de la década de 1970 todavía intentaba entrar en el mercado mundial. Los primeros esfuerzos de Cronenberg fueron financiados por inversores privados que querían aprovechar generosos subsidios gubernamentales y exenciones fiscales: capital de bajo riesgo que permitía una creatividad de alto riesgo. A su vez, Cronenberg se convirtió en una estrella revelación y plantó la bandera del cine canadiense en Estados Unidos y más allá.

Fue también cuando Cronenberg comenzó a reunir su equipo estable de colaboradores: el compositor Howard Shore, la diseñadora de producción Carol Spier y un pequeño grupo de actores canadienses, muchos de los cuales han trabajado en numerosas películas de Cronenberg. “Estar rodeado de gente en la que podía confiar y que entendían su visión influyó definitivamente en la capacidad de Cronenberg para realizar sus películas”, afirma Lucca. “Todos han desarrollado una taquigrafía que ayuda a que el ajustado presupuesto de producción no se queme durante días. Pero hay coherencia en el aspecto de las películas. Carole Speier es responsable de gran parte de la paleta visual táctica de Cronenberg”.

Al igual que Stephen King, otro artista que utiliza tropos de terror para explorar verdades más profundas sobre la condición humana, Cronenberg está subestimado porque a menudo trabajó dentro de narrativas de género. El libro de Lucca desmiente esta idea errónea. King es un gigante literario que ha sido leído mucho después de que dejó de escribir, y si hay justicia, también lo harán las películas de Cronenberg. “El hecho de que algunos críticos y audiencias ignoren las películas de Cronenberg es sólo un testimonio de su poder y necesidad.”